The Ten - 미국 인상주의 거장들 2권

<The Ten - 미국 인상주의 거장들 2권>

□ 책소개

■ 모네를 중심으로 일어난 프랑스 인상주의 혁명(革命)

프랑스 파리에서 140년 전인 1874년에 클로드 모네가 주도하여 공식적으로 인상주의가 등장했다. 그는 화가, 조각가, 판화가 등 30명의 인원으로 '익명(匿名)의 예술가 그룹’을 모았다. 그리고 처음으로 역사적인 제1회 인상파 전시를 사진사 나다르(Nadar)의 아틀리에에서 개최했다. 전시된 작품의 총수는 165점이었다. 그리고 1886년까지 12년 동안 여덟 번의 전시로 이어가면서 많은 난관을 거쳤다. 인상파는 서구미술 역사에 일대 변혁(變革)을 이루었다. 한마디로 서구미술의 혁명(革命)이었다.

■ 미국은 The Ten을 중심으로 인상주의 혁명(革命)

미국에서 인상주의는 불과 4년 후인 1878년부터 최초의 전시가 보스턴에서 개최되었다. 그 후에 프랑스 인상파들의 작품전시가 뉴욕 등 전국적으로 연이어 이어졌다. 또한 유럽에 진출한 미국 화가들도 귀국하여 인상주의 작품의 전시와 창작 및 교육을 이어갔다.

미국에서 최고 권위의 단체이며 1877년에 설립된 미국화가협회(美國畵家協會)는 20년이 경과된 1897년까지 아카데믹 미술이 인상주의에 보다 우위를 인정하면서 보수적인 협회를 운영하고 있었다. 그러나 1897년에 협회에 소속된 화가 중에 10명이 탈퇴(脫退)하는 일이 생겼다. 이들은 전원이 유럽 유학파 출신의 중진화가들로서 프랑스에서 모네가 주동한 것처럼 인상주의를 표방했다. 이들은 프레드릭 C. 하삼 등 평균 40대 초반의 실력 있는 화가들이었다.

'The Ten'은 ‘10인의 미국 인상주의 화가들’ (Ten American Impressonism Painters)의 약칭(略稱)이다. 미국에서 인상주의 화가그룹이 결성된 것은 처음이었다. 그들은 모네와 같이 미국 미술의 나아갈 방향을 인상주의로 표방하면서 당시 전통미술의 보수(保守)와 상업주의(商業主義)에 빠진 미국화가협회를 탈퇴했다. 협회는 이들 멤버들에게 이기적인 행위로 비난했다.

■ 미술환경의 변화에 적응치 못한 미국화가협회는 폐쇄

뉴욕에 본부를 둔 국립 디자인 아카데미(National Academy of Design)는 1863년에 설립되었다. 그러나 14년 후인 1877년에 아카데미의 운영이 보수적(保守的)이라는 이유로 미국화가협회(Associated American Artists)로 분리(分離) 신설되었다. 이 시기는 유럽에서 제3회 인상파 전시회가 열릴 때였으나 미국에는 전파되지 않았다.

그로부터 20년이 지난 1897년 12월에 10명의 화가들 즉 The Ten이 반기(反旗)를 들었다. 주된 이유는 협회가 과거 20년 전에 국립 디자인 아카데미로부터 분리될 때의 이유처럼 보수적(保守的)이라는 이유를 들었다. 미국화가협회는 29년간을 지속하다가 The Ten 멤버로부터 이와 똑같이 보수적이라는 사유로 문제시되고 결국 시대의 흐름에 뒤쳐져 다시 국립 디자인 아카데미에 합병된 것이었다.

미국화가협회는 상업주의(商業主義)라는 주된 문제도 작용했다. 또한 협회는 자체의 문제 즉 협회의 일부 간부들이 배심(陪審)없이 자기 작품을 선정하여 전시하는 등의 문제가 있었다. The Ten은 미국화가협회에서 탈퇴했다. 일부 협회의 회원들도 드디어 The Ten의 탈퇴행위를 두둔하는 성명까지도 나왔다.

미국화가협회는 그 후 활기를 잃다가 1906년에 종말(終末)을 고했다. 즉 협회의 모체(母體)인 뉴욕의 국립 디자인 아카데미에 다시 합병(合倂)되어 버린 것이다. 이는 The Ten이 구성된 지 8년 후의 일이었다. 그러다가 1934년에 과거 미국화가협회가 폐쇄된 후 28년 만에 <미국화가연합>으로 재구성하였다.

The Ten은 미국이 1916년에 참전한 1차 세계대전이 종료되던 1918년까지 전시를 활발히 개최하였다. 그들은 1898년 3월에 뉴욕의 ‘뒤랑 뤼엘 갤러리’에서 제1회 The Ten 전을 개최하고 1918년까지 20년 동안 32회에 걸쳐 그룹의 전시회를 뉴욕과 보스턴 등의 도시에서 이어갔다. 일반 애호가들은 다음에 열릴 전시에 관심을 가질 정도로 인기가 좋았다. 그러나 멤버들의 평균나이가 40대초에 출발하여 60대를 넘어서자 마지막 회고전을 뉴욕에서 개최하고 각자의 인상주의 스타일의 작업으로 돌아갔다.

■ 프랑스와 미국의 인상파에 대한 여론(輿論)과 사회적 수용(受容)의 차이

인상주의에 대한 사회적인 반대와 호응 등의 여론은 미국과 프랑스를 비교하여 19세기 말부터 크게 달랐다. 먼저 프랑스는 오랜 전통으로 아카데믹 미술에 대한 보수 성향(保守 性向)이 강했다. 정부나 미술학교의 교수 및 비평가들은 모두 새롭고 혁명적인 인상주의에 대하여 일제히 반대했다. 그 결과 화가들의 등용문(登龍門)인 파리살롱(Paris Salon)의 배심(陪審)에서부터 인상파 화가들은 낙선되었고 전시의 길도 막혀 버렸다.

인상파들의 제1회 전시에서 ‘익명(匿名)의 화가그룹’으로 명칭을 내건 것도 그러한 이유였다. 이들은 1888년까지 12년 동안 여덟 번의 전시를 하였지만 인상주의라는 하나의 구심점(求心點)은 없었다. 제1회 전시회부터 마지막의 제8회 전시까지 인상주의 뿐 아니라 사실주의와 신인상주의 및 상징주의 등 다양한 경향과 화풍의 화가들이 혼재되어 있었다.

그러나 미국의 환경은 프랑스와 크게 달랐다. 1970년 전후에 프랑스에서 인상파가 발아(發芽)되던 시기는 미국은 1861년~1865년에 걸친 남북전쟁(南北戰爭, 시민전쟁)을 종료하면서 국내가 안정되었고 산업전반에 눈부신 부흥을 이루기 시작했다. 화가들은 예술의 수도(首都)인 파리와 독일의 뮌헨 등으로 몰려들었다. 또한 화가들은 저명한 프랑스의 ‘에콜 데 보자르’와 ‘줄리앙 아카데미’ 및 독일의 ‘왕립 아카데미’에 입학하고 아카데믹의 고전화풍을 공부했다.

그들은 귀국하기 전부터 인상주의에 영향을 받았으며 귀국 후에는 그림 작업과 더불어 미술학교의 교사가 되었다. 또한 미국의 전역에서 1885년부터 형성되기 시작한 프랑스 모네의 지베르니(Giverny)와 같은 화가마을을 조성했다. 이와 같이 미국 국민들이 혁신의 사조(思潮)에 민감했고 특히 새로운 인상주의 화풍에 관심이 많아졌기 때문이었다. 그리고 미술학교에서 수업과 화가마을로 인하여 제2세대의 인상주의 화가들이 크게 양성되었다.

The Ten의 중심 멤버인 프레드릭 C. 하삼과 윌러드 L. 메트캐프가 활동한 올드라임(Old lyme) 화가마을(Artists Colony)은 바로 대표적인 ‘미국의 지베르니’가 되었다. 현재는 플로렌스 그리스울드 미술관(Florence Griswold House and Museum)이 되면서 미국 인상주의의 메카가 된 것이다.

The Ten의 멤버들은 이러한 분위기 속에서 미국 미술을 진취적으로 혁신시킨 공로를 쌓았다. 나아가 미국의 인상주의는 프랑스와 다르게 20세기 이후 미국뿐 아니라 전 세계로 확산시켜 현대미술의 흐름에 중심의 역할을 했다. 특히 미국사회에서 The Ten은 오늘날과 같이 인상주의가 영원히 사라지지 않는 ‘불멸(不滅)의 화파(畵派)’를 이루는데 초석(礎石)을 다졌다. 따라서 The Ten은 1874년에 프랑스에서 모네와 같은 변혁자(變革者)의 존재와 같았다. 미국의 현대미술을 인상주의로 하여금 세계미술의 새로운 중심지가 되도록 노력한 미국의 변혁자(變革者 Change Agent)가 된 것이다.

■ 미국 인상주의 거장들의 국내 소개

오늘날 「 The Ten 」에 대한 평가는 미국뿐만 아니라 이제 세계적으로 인상주의 미술의 거장(巨匠)이라고 인정되고 있다. 국내에서 미국 인상주의에 대한 소개는 유럽 인상파 화가들에 비하여 늦었고 따라서「 The Ten 」의 거장들을 소개하는 책은 거의 없었다. 이 책의 내용에는 명칭은 The Ten이지만 실제 활동한 11명의 화가를 소개하고 있다. 총 650점의 작품을 각자 생애 중에 나타나는 화풍(畵風) 즉 스타일 별로 선정하고 일부는 설명을 같이 붙였다. 종이책보다 전자책 e-Book에 적합하게 그림위주로 편집해 보았다.

The Ten 그룹을 구성하는데 주동적인 화가는 프레드릭 C. 하삼인데 ‘미국적인 인상주의’에 가장 특징적인 화가로서 이름이 났다. 그는 프랑스와 미국에서 일생동안 3,000점의 작품을 제작했는데 이 책에 70점을 골라 실었다. 그리고 윌러드 L. 메트캐프는 모네가 1883년에 정착한 지베르니(Giverny)를 1885년에 처음으로 방문하고 4년을 같이 생활하여 ‘모네의 추종자’로 호칭되면서 정통적인 인상주의를 대변했다. 그리고 인상파 화가로서 시적(詩的) 상상력과 실험적인 작품은 모네와 비견되는 존 H. 트와치먼이 있다.

그러나 이들은 뉴욕과 보스턴에서 학생과 친구로서 만났고 프랑스에서도 같은 학교와 스승 밑에서 생활하여 서로가 평소에 잘 알고 있었고 특히 유럽에서 당시 인상파의 스타일과 장래의 미술 흐름을 예견할 수 있는 능력을 지니고 있었다. The Ten 멤버 중에 다른 화가인 체이스는 2,000점을 제작했다. 참고로 인상파의 대부(代父)인 클로드 모네는 평생 동안 8,000점을 그렸다. 이러한 작품들은 프랑스나 미국 등 전 세계의 만국박람회 (萬國博覽會) 무대를 통하여 전파시키는데 많은 성과를 거두었다.

어느 화가나 마찬가지로 일생을 통해 표현되는 각자의 화풍과 스타일 및 기법은 한가지로 꾸준히 지속되는 경우가 드문 편이다. 화가는 주위환경과 시기에 따라 미적 영감(靈感)과 감동(感動) 및 뉘앙스(Nuance)에 영향을 받아 그림 스타일도 차츰 변화되는 것이 보통이다.

The Ten 멤버들도 작품 스타일이 19세기 후반에 유럽에서 배운 아카데믹한 사실주의(寫實主義 Realism)와 더불어 인상주의(印象主義)와 색조주의(色調主義 Tonalism) 및 장식적 인상주의 (裝飾的 印象主義 Decolative Impressionism) 등으로 다양하게 나타나고 있다. 이 책에 화가의 배열순서는 편의상 생년을 기준으로 출생이 빠른 화가를 먼저 기술했다. 각 화가의 작품 배열은 풍경화, 인물화, 초상화, 벽화, 누드화 및 정물화 순으로 되어 있다.

■ The Ten의 공통적인 특색(特色)

▶ 인상주의 화풍과 아카데믹 화풍의 재능을 겸비(兼備)

The Ten은 미국에서 유명한 미술학교를 마치고 주위의 추천 등으로 유럽에 진출한 화가들이다. 그들은 뉴욕의 아트 스튜던트 리그 (The Art Students League of New York)와 뉴욕의 국립 디자인 아카데미 (National Academy Museum and School : National Academy of Design) 및 보스턴 미술관 학교 (School of the Museum of Fine Arts, Boston) 등 유명한 미술학교를 먼저 나왔다,

그리고 더 높은 교육을 위하여 프랑스 파리와 독일 뮌헨 등으로 진출했다. 또한 세계적으로 저명한 당대 최고의 거장들 밑에서 배웠다. 그들은 아카데믹 미술인 사실주의(寫實主義) 화풍으로 주로 인물과 초상화를 익혔고 파리살롱의 배심(陪審)에 통과하여 영예스런 전시는 물론이고 만국박람회 등에서 상(賞)을 받은 유럽파의 명실 공히 엘리트 화가였다.

그러나 그들은 당시 프랑스에서 발아되기 시작한 인상주의를 직접 체험하고 예의 주시한 화가들이다. 일부는 모네가 정착한 지베르니를 방문하면서 정착했다. 더불어 모네와 함께 정통적인 인상주의 미술을 실험하고 새로운 기법과 화풍을 실제로 익혔다. The Ten의 나머지는 귀국하여 프랑스 인상주의 미술에 종래 미국에서 주도하던 허드슨 강 파(派)의 사실주의 미술을 결합(結合)하여 미국적인 고유의 화풍으로 이루어 나갔다.

▶ 미국에서 공식적 교육기관의 미술교사로 활동하며 후진교육을 담당

그들은 새로운 인상주의가 앞으로 서구미술을 주도할 것을 심미적인 감각과 예지(叡智)로 예감했다. 그들은 귀국하여 작품 창작에만 몰두한 것이 아니라 인상주의가 정착하여 발전할 수 있도록 미술교사의 역할을 하면서 교육(敎育)을 통하여 많은 신진화가와 일반인을 키워 나갔다. 미국의 초기 인상주의 화가들 중에 유럽에서 경험한 11명의 The Ten 멤버뿐만 아니라 따로 300명에 달하는 지베르니아이츠 Givernyites (지베르니의 신봉자)라는 소위 인상주의의 정예부대(精銳部隊) 출신이 있었다. 이들은 모네의 화풍에 영감을 받았고 프랑스의 시골에서 어려운 창작생활을 경험하며 개척한 ‘모네의 신봉자’ 들이었다.

1870년대 이후 인상주의는 새로 탄생한 화파로서 공식적인 교육기관이 없었다. The Ten의 11명 화가는 유럽에서 아카데믹한 리얼리즘 화풍을 교육받으면서 주로 인물화와 초상화를 터득했다. 이는 프랑스 파리의 에콜 데 보자르(École des Beaux-Arts)와 줄리앙 아카데미(The Académie Julian) 및 독일 뮌헨의 왕립 아카데미(Royal Academy of Fine Arts, Munich)에서 이들을 가르친 교수들이 그러한 스타일의 거장화가들이었기 때문이다.

처음에 인상주의는 단지 다른 화가의 모방(模倣)을 통하여 전달되는 실정이었다. 1886년 제8회로 인상파 전시가 종료되고 난 이후에 파리에서는 인상주의의 구심점이 사라졌다. 12년 동안 프랑스에서 행한 인상주의에 대한 핍박과 냉대 속에 그들은 반대하는 미술학교를 세울 수 없는 여건이었다. 또한 프랑스에서 인상주의에 관심이 있었던 다른 화가들은 반대의 분위기 때문에 탈 인상주의(脫 印象主義)에 더욱 염두에 두었다.

따라서 인상파에 관심을 가진 미국 등 18개국의 350명 화가들은 모네가 1883년부터 정착한 지베르니를 1885년부터 1914년까지 30년간 스스로 찾아가기 시작했다. 그 후 The Ten 멤버와 지베르니아이츠는 미국으로 귀국하여 뉴욕 아트 스튜던트 리그와 국립 디자인 아카데미 등 기존의 유명 미술학교에서 과거의 학생 신분이 아닌 교사가 되어 인상주의를 가르친 사실이 크게 유럽과는 달랐다. 이처럼 미국에서는 대거 인상주의의 계승(繼承)과 인재양성(人才養成)이 이루어 진 것이다.

The Ten 멤버인 윌리엄 메릿 체이스는 뉴욕 아트 스튜던트 리그에서 20년 동안 4,000명의 제자를 길렀다. 특히 그는 미국화가협회의 회장직을 1885년부터 10년간 수행한 후에 1895년에 퇴임했다. 결국 체이스도 다시 7년 후인 1902년에 이미 형성된 The Ten에 합류하므로 서 그룹의 대외적인 이미지와 영향력을 높였다. 이와 같이 미국의 인상주의는 19세기 말부터 유럽에서 쇠퇴일로를 걷던 인상주의를 부활시키고 전성기를 이루었던 점이 달랐다.

▶ 미국 전역에 인상주의 화가마을(Art Colony)을 건설, 미국적 인상주의를 개발

그들은 주로 뉴욕과 보스턴에서 활동한 화가들이지만 외광(外光) 페인팅을 위하여 미국 전역으로 여행을 다녔다. 자연히 다양한 지역을 중심으로 예술공동체(Art Colony) 즉 화가마을을 형성해 나갔다. 그들은 인상주의의 특색인 외광회화의 소재를 찾으면서 독창적으로 스타일을 개발했고 ‘미국적인 인상주의’로 탈바꿈시켰다. 미국 인상주의의 가장 중요한 특색은 이와 같이 과거 모네가 살던 지베르니의 화가들도 모네의 영향을 받았지만 각기 자기만의 고유한 스타일을 개발한 사실이다.

미국의 많은 화가들은 각자의 개성을 확연히 드러내면서 인상주의를 발전시켰다. 1880년대부터 인상주의는 뉴욕 (시네코크, 올드라임), 코네티컷 (코스콥), 매사추세츠 (글로스터, 프로빈스 타운, 케잎코드 타운), 펜실베이니아 (브라운), 메인 (몬헤건 섬), 캘리포니아 (라구나 비치, 몬트레일, 카르멜, 산타바바라, 패서디나. 뉴포트), 보스턴, 뉴멕시코 (타오스) 등으로 널리 퍼져 나갔다.

▶ 모네의 정통적인 인상주의 화풍을 지속시키고 미국적 인상주의를 개발한 화가

프랑스에서는 제8회 인상파 전시가 끝난 직후에 신인상주의, 후기 인상주의 등의 여러 가지 유파(類派)로 변천되었다. 프랑스에서 8회에 걸친 인상파 전시회에 참가한 쇠라, 시냑크, 앙그랑 등은 1890년대에 신인상주의(新印象主義)로 변천되었다. 또한 세잔느, 고갱 고흐 등은 인상주의에 반대하면서 영국의 로저 E. 프라이(Roger E. Fry)에 의해 명명(命名)된 바와 같이 후기 인상주의(後期 印象主義)로 변천했다.

이와 같이 20세기 현대미술에 지대한 영향을 끼친 것은 바로 인상주의였다. 즉 인상주의가 후대에 미친 영향을 살펴보면 이를 이해할 수 있다. 인상주의의 다른 전위예술(前衛藝術 Avant­garde) 화가들은 인상파의 화풍을 모방하여 생기기 시작했다. 즉 고흐는 표현주의(表現主義)에, 세잔느는 입체주의(立體主義)에 영향을 끼치면서 19세기 미술을 20세기 미술로 끌어 올렸다. 1890년대의 신인상주의(新印象主義)는 고갱과 세잔느의 영향으로 야수파(野獸派)와, 독일에서는 표현주의(表現主義)에 영향을 미쳤다.

그러나 모네가 정착한 지베르니가 차츰 화가마을(Art Colony)로 형성되면서 인상주의의 메카가 되기 시작했다. 정통적인 인상주의 작품을 창의적으로 실험한 미국의 지베르니아이츠는 30년간 무려 300명이 달했다. 그중에 The Ten 멤버는 1885년에 방문한 윌러드 L. 메트캐프와 1895년에 여류화가인 마리아 오키 듀잉 부인과 같이 동행한 토머스 W. 듀잉 두 사람이 있었다.

이들은 지베르니에서 모네와 함께 생생한 현장경험으로 The Ten 그룹이 인상주의의 정통화가(正統畵家)로서 미국에서 인정을 받게 하는 효과를 거두었다. 이처럼 미국의 The Ten과 지베르니아이츠들은 모네가 추구한 초기의 인상주의 화풍을 고수(固守)하면서 발전시켜 나간 것이다. 이들은 프랑스 인상주의 화가들보다 더 확고한 구성적(構成的)인 구조(構造)와 사실주의적(寫實主義的)인 감각(感覺)을 혼합하여 ‘미국적 인상주의’(美國的 印象主義)를 확립해 나갔다. 또한 이러한 현상은 20세기 이후에 세계를 주도(主導)한 미국의 정치·경제적 측면과 평행선을 이루는 문화·예술적 측면에서 상응(相應)하는 현대미술의 시너지(Synergy) 효과를 거두게 했다.

■ 불멸(不滅)의 화파(畵派)로서 인상주의

The Ten의 특징 중에서 프랑스 인상주의 화가들과 다른 점은 그룹 전원이 유럽의 가장 저명(著名)한 미술학교에서 아카데믹의 고전미술을 주로 배웠던 화가들이었지만 당시 혁신적인 인상주의에 관심으로 실제 창작활동을 했다는 점이다. 이들이 프랑스에 있을 때 The Ten의 작품을 보면 분명히 알 수 있다. 프랑스에서는 인상파를 반대하는 분위기로 인하여 공식적인 교육기관이 없었다.

그러나 The Ten은 귀국한 이후에 미국의 정규 미술학교에서 인상주의 화풍으로 수많은 제자를 가르쳤다. 또한 화가마을을 건설하면서 정통적인 인상주의 작품을 창조해 낸 사실이 달랐다. 따라서 인상주의의 진원지(震源地)는 프랑스이었으나 20세기 이후의 인상주의 부흥의 중심지는 바로 미국이 되었다.

그런데 가장 중요한 점은 앞에서 말한 인상주의의 세 가지 특성상 앞으로도 결코 사라지지 않을 ‘불멸(不滅)의 화파(畵派)’로 지속되는 사실이다. 이는 마치 불교(佛敎)가 인도에서 발원하였으나 현재의 인도는 힌두교의 성지로 남아있고, 나아가 불교는 한국, 중국, 일본 등의 동남아시아의 주종(主宗)의 종교가 되었고 오늘날 세계의 종교로서 형성된 것과 같은 현상이다.

이상에서 미국에서 발전시킨 20세기의 인상주의 미술은 현대미술의 초석(礎石)으로 자리하면서 순수미술 분야뿐만 아니라 나아가 디자인 등 산업전반의 응용미술에도 꽃을 피우게 했다. 왜냐하면 인상주의는 사실주의(寫實主義)의 표현과 함께 처음부터 추상적(抽象的) 이미지와 내용이 포함되어 있기 때문이다.

인상주의는 현대미술이 추상회화에 이르는 길을 제시하여 결정적인 공헌(貢獻)을 했다. 즉 직관(直觀)에 의한 뉘앙스(Nuance)와 이미지의 연출(演出)을 통하여 추상화(抽象畵)가 생기는데 크게 영향을 준 것이다. 추상화를 최초로 시작한 바실리 칸딘스키는 모네의 작품이 모스코바에서 전시될 때 『건초더미』로부터 영감(靈感)을 받았다고 고백(告白)한 적이 있었다.

■ 19세기 초까지 불문율이던 고립주의에서 세계주의로 향한 미국의 정책

미국은 1776년에 독립하여 1차 세계대전에 참여한 1916년까지 140년간 초대 워싱턴 대통령 이후부터 유럽의 정세에 일체 관여하지 않는다는 불문정책으로서 고립주의(孤立主義)를 지키고 있었다. 그러나 1914년 1차 세계대전 이후 1916년에 대서양에서 독일의 잠수함이 미국인이 탄 여객선을 공격하여 당시 미국의 토머스 우드로 윌슨(1856~1924) 대통령은 독일에 참전을 선포하고 결국 연합군은 1918년에 전쟁을 승리로 이끌었다.

이때부터 미국은 세계주의(世界主義 Cosmopolitanism)로 진입했다. 한나라의 진정한 국가발전은 경제·사회를 포함하여 나아가 문화·예술의 발전과 더불어 평행선을 달리게 한다. 미국은 국가규모가 커질수록 세계주의적(世界主義的) 정책을 보였고 문화예술에서도 최고의 문화대국이라는 포부를 먼저 인상주의를 통해 실현하기 시작했다.

전 세계는 이제 20세기 이후의 현대미술에서 인상주의를 ‘불멸(不滅)의 화파(畵派)’로 인정하고 있다. 이러한 정통적인 인상주의와 20세기 전환기부터 미국에서 크게 발전된 ‘미국의 인상주의’ (American Impressionism)에 대하여 전 세계의 시선은 다시 관심을 모으고 살피게 되었다.

■ 미술서적에 전자책(e-Book)의 활성화

오늘날의 책은 종이책에서 전자책(e-Book)으로 급속히 환경을 바뀌고 있다. 집과 실외에서도 손쉽게 TV, 스마트폰 등을 통하여 책을 볼 수 있게 되었다. 이번에 발간된 821페이지에 달하는 [The Ten-미국 인상주의 거장들] (전2권)의 전자책은 모든 멀티미디어 기기에서 손쉽게 감상할 수 있도록 한 쪽 면에 한 개의 작품을 싣고 일부는 간략한 해설을 붙였다. 근간에 널리 보급된 e­Book 단말기, 태블릿 PC, 스마트폰, 노트북 및 다기능 PC 등의 멀티미디어 기기에서 글과 그림은 물론이고 음성과 동영상으로 미술책을 즐기게 되었다.

저자가 2013년 9월에 발간한 [모네와 지베르니아이츠] (전2권)의 전자책은 전체 900쪽이 넘는 분량이었다. 미국화가 등 98명과 다른 나라에서 6명 도합 114명이 지베르니에서 생활한 인상주의 화가 등을 취급하였다. 책 속에 1,200개가 넘는 그림화일과 더불어 많은 문서량으로 인하여 부득이 종이책 대신에 전자책을 PDF 파일로 발간된 것이다.

모든 음악도 우리가 자주 들으면 친해지고 좋아진다. 그림도 마찬가지로 자주 마주할 경우에 정신을 맑고 아름답게 가다듬으면서 예술적인 심미감이 더욱 높일 수 있다. 마음과 정신의 치유(治癒) 즉 힐링에 미술과 음악 등이 각광받는 시대가 도래한지 상당히 되었다.

종이책에 인쇄된 칼라 작품은 ‘색(色)의 삼원색’인 CMYK(Cyan, Magenta, Yellow, Black<K를 의미>)라는 감산 혼합방식(減算 混合方式)을 이용한다. 모니터를 통해 보는 칼라 작품은 ‘빛(光)의 삼원색’을 이용하여 색을 표현하는 RGB (Red, Green, Blue)의 가산 혼합방식(加算 混合方式)이다. 따라서 모니터로 보는 그림은 종이책보다 훨씬 색상이 밝고 원색(原色)에 가까워 특히 미술작품의 감상에 적절하다.

현대는 전자통신과 멀티미디어의 발달로 국제사회가 더욱 가까워지고 밀접해지고 있다. 또한 생산한 모든 상품에는 디자인(Design)을 가미하여 전 세계를 향해 진출된다. 특히 상품의 가치판단에서 디자인이 최후의 결정력(決定力)을 지니게 된 것이다. 즉 상품이 수출되는 것은 바로 디자인 자체가 수출된다고 볼 수 있다. 이러한 훌륭한 디자인은 단시일에 미술인들만의 안목에서 생겨나지 않는다. 때문에 모든 현대생활에는 문화예술 특히 디자인이 포함된 미술과 연관시켜 모두 관심을 가지고 개발시켜 나가야 할 필요가 있다. 이러한 점에서도 이 전자책이 조금이라도 도움이 되었으면 하고 기대해 본다.

■ 인상주의 미술과 현대의 디자인

The Ten 멤버 중에 프랭크 W. 벤슨은 미국에서 가장 인기 있는 화가중의 한 사람이며 오직 일생동안 정통적인 인상주의 스타일을 고집한 화가로서 평소에 다음과 같이 말했다. 그의 인기는 또한 역대 미국화가중에서 미술상(美術賞)을 가장 많이 받은 화가로서도 칭송이 대단했다.

“화가는 구상(構想)을 위한 디자인(Design)이 가장 중요한 페인팅의 내용임을 알았다” 그리고 “그림은 단순히 디자인(Design)에 대한 실험이다.” 또한 “어떤 대상을 구성하는 일이 있을 지라도 정물화, 인물화 및 조류의 그림은 그 디자인(Design)이 즐겁다면 그림은 성공하게 된다.” 라고 말한 것에 주목할 필요가 있다.

이와 같이 The Ten의 인상주의 거장들이나 지베르니아이츠와 같은 미국 인상주의 화가들은 회화 작품(繪畵 作品) 속에 보다 현대적이고 의미 있는 디자인(Design)을 함께 넣으려고 고심한 사실은 시사(示唆) 하는 바가 크다. 따라서 우리가 그림을 볼 때에 어떤 디자인이 결부되어 있는지 곰곰이 생각해 볼만 한 것이다. 이러한 디자인에는 일반적인 구도(構圖)와 구성(構成)을 넘어선 심리적(心理的)인 요소가 포함되어 있는 것을 100년 전의 화가들은 이미 지적하고 있는 것이다. 디자인에는 형태와 윤곽 및 실루엣이 중요하며 더불어 추상적(抽象的)이며 관념적(觀念的)인 디자인이 착상을 지배한다는 것을 말하고 있다.

그러나 우리가 간과(看過)하지 못할 중요한 사실은 시대가 변화되더라도 인상주의 미술품에 대한 인기(人氣)와 애호(愛好)는 더욱 증대되고 있다는 사실이다. 종래 아카데믹한 스타일의 그림과 인상주의 작품을 비교할 때 아래와 같이 점에서도 크게 다른 것을 알 수 있다.

이는 ① 주제(Motif)의 다양성(多樣性)과 ② 화가의 자유스런 개별성(個別性) 및 ③ 표현방법의 무한성(無限性) 즉 스트로크의 변화무상성(變化無常性) 등에 기인하고 있다. 이러한 요소는 매트릭스로 조합할 때 독창적이며 무한한 작품이 창조된다. 또한 이런 것은 모두 화가들이 지배하고 창조할 수 있는 매력적인 분야이다. 140년 전에 전위예술(前衛藝術)이던 인상주의는 이제 고전적(古典的)인 예술이 되었지만 위와 같은 특성으로 결코 사라지지 않는 생명을 지니고 있고 또한 앞으로도 무한히 발전하는 활력을 가진 것이다.

미국 인상주의 작품의 가치는 소더비나 크리스티 등의 경매에서도 과히 짐작하기 어려운 높은 금액으로 거래되는 것을 볼 수 있다. 이제 국제화 시대의 폭넓은 안목으로 유럽에서보다 점차 인기가 증가하고 있는 미국의 인상주의 작품을 주목할 필요성이 제기된 때문이다. 또한 세계의 산업경제를 주도하고 있듯이 미국의 문화예술 분야에 바탕을 이룬 20세기 전환기 이후의 인상주의를 주목하도록 권해 본다.

이 책은 교양서와 더불어 생활전반에 디자인 등 미술의 실용적 응용에 도움을 주기 위해 발간의 뜻을 두었다. 미술작품은 손쉽게 보는 것에서 출발하여 관심을 제고시키고 현대적인 디자인 감각을 키울 수 있기 때문이다. 국제화 시대에 아직 국내에서 소개가 미흡한 미국의 인상주의 미술을 이해하고 나아가 유익한 콘텐츠가 되었으면 하는 바람이다. 이러한 인상주의는 현대의 회화 뿐 아니라 삶을 아름답게 승화시키는 역할을 한다. 또한 현대 디자인의 수준을 제고시키는 측면에서도 중요한 시발점이 될 것이다.